Vous rechercher :
Une meilleure connaissance de vous même
Une harmonie relationnelle avec les autres
Un renouveau équilibré
Calme et confiance en vous
cela est possible Par la mise en œuvre de trois
expressions artistiques complémentaires:
DANSE THÉÂTRE POÉSIE
qui existent déjà en vous et que vous pouvez libérer, Comment ? :
- Les techniques du corps,la danse
La lenteur du geste, improvisation
maîtrise du regard et du visage,
Le geste et la posture
Modelage du corps
Travail en solo, en duo, trio
-Les techniques du théâtre improvisé
Occuper l'espace
Prendre la scène
écoute et improvisation
présence et mise en scène
la notion de masque de l’acteur
- Les techniques corps et voix la poésie, le conte et récits
Travail sur la respiration
Travail sur la parole, le son, la voix
Relation entre parole et mouvement
vendredi 12 juin 2009
jeudi 11 juin 2009
Danser encore....
Sarrians, chez Eric un sculpteur, un moment danse, dense, fou, créatif, libre....
Merci à ceux et celles qui ont participé
mardi 10 mars 2009
en reponse à une demande d'étudiante en théâtre
bonjour,
Bonjour S.,
Je vous remercie de l'intérêt que vous semblez porter à mon travail.
La pratique que j'enseigne est basée sur une vue complète des arts de la scène, très proche de l'enseignement du théâtre Nô (cf : la tradition secrète du Nô de Zeami, connaissance de l'orient chez gallimard/unesco). La maîtrise du corps, du geste, du visage par la danse est la base du travail de l'acteur. la pratique de la lenteur et de la maîtrise dans la lenteur apporte au comédien une parfaite maîtrise de soi et une présence forte, quelle que soit la création demandée.
D'abord le corps doit être assouplit, redressé, adoucit, le visage calmé de ses expressions habituelles. Avec des musiques vivantes, j'entends par là des musiques choisies avec soin pour porter, surprendre le danseur, tant émotionnellement que physiquement, le danseur-acteur trouve sa liberté d'expression, oubliant les gestes habituels, retrouvant ses archétypes.
La lenteur ici devient un axe essentiel, efficace. Car une fois cette lenteur éprouvée, pratiquée, la rapidité devient maitrisée.
Pour le visage, même travail, issu du travail du masque de l'acteur du théâtre Nô. Savez-vous que ces acteurs ne portent leur masque que pour les représentations, ils travaillent en répétitions à visage découvert, pour pouvoir "habiter" leur masque, leur personnage. Ainsi ce visage doit lui aussi, être adoucit, maîtrisé, passant du neutre au sourire, de la tension au calme, et tout cela en fluidité avec le travail du corps. L'essentiel de cette danse est l'unité, du corps, de l'âme (les émotions) et de l'esprit, une fois cet axe ancré, la parole vient.
Le travail de la parole, soit en poésie improvisée, soit en récit mise en scène, soit en seynette de théâtre improvisée : Une fois le corps en place, le visage ouvert et calme, le danseur comédien est prêt à sa parole. Celle-ci accompagne la danse des participants, au même titre que la musique.
Car les danseurs-comédiens sont inspirés, leur pratique assidue de la danse leur donne toute liberté de concevoir et dire un texte fluide, sois improvisé, lut ou appris par cœur. Bien sur, pour alimenter la parole il faut lire, travailler son vocabulaire, ouvrir son champ lexical, pour mettre des mots sur ces images intérieures qui viennent, sur ses émotions qui traversent.
En ce qui concerne les seynettes elles viennent souvent comme une entracte humoristique mettant en scène des situations et des personnages drôles. Car après la tension du travail corporel, il faut bien se détendre et rire!
Voici donc en quelques mots l'essentiel de ce travail, il n'y a pas de méthode véritablement écrite(pourtant c'est ce que je fais pour vous répondre!), c'est une pratique rigoureuse comme tout art, mais aussi extrêmement riche. chaque atelier est une création.
La danse telle que je la pratique et l'enseigne est la base de tout travail de la scène, amenant à la présence, à la maîtrise du corps et de la parole tout en restant libre, au service d'une création et du spectacle. Tout acteur, comédien, musicien devrait pratiquer la danse en parallèle, en complément, de son art, pour acquérir ou retrouver sa maîtrise et sa liberté.
Dans mon travail de conteuse comédienne et danseuse, cette pratique me soutient, c'est ma base ma source d'inspiration, par la danse théâtralisée, j'ai accès à mes mondes intérieurs, ma poésie personnelle, je peux désormais créer, apprendre, enseigner, jouer , faire de la musique en collaboration avec tout artiste, dans la liberté et l'écoute. au théâtre, cette maîtrise me donne la présence, la voix, l'humilité, la possibilité de jouer tout personnage, sans me perdre, avec présence.
Je suis à votre écoute, c'est avec plaisir que je vous transmet ma passion de la scène, si d'aventure vous êtes intéressée pour pratiquer, dans la cadre de votre lycée, ou autre je peux être disponible pour organiser quelques session d'ateliers. Car la théorie c'est bien, certes,mais la pratique est nécessaire pour éprouver, expérimenter. N'hésitez à faire des "expérience scéniques" elles vous apporteront une compréhension, que la théorie ne ferait qu'effleurer.
Bien à vous
Laurence Canonne
art residence
je me permet de vous envoyer un mail car je suis en terminale et ma spécialité est le théâtre. Je dois faire un dossier personnel pour le bac et, ayant fait de la danse classique et modern' jazz pendant 12 ans, j'ai décidé de faire ma partir sur la danse. J'ai vu sur votre site que vous pratiquez la danse "théâtralisée" , j'aimerais en savoir un peu plus et savoir quel lien, d'après vous, unit la danse et le théâtre.
En attente de votre précieuse réponse, je vous remercie par avance,
cordialement,
S.
Bonjour S.,
Je vous remercie de l'intérêt que vous semblez porter à mon travail.
La pratique que j'enseigne est basée sur une vue complète des arts de la scène, très proche de l'enseignement du théâtre Nô (cf : la tradition secrète du Nô de Zeami, connaissance de l'orient chez gallimard/unesco). La maîtrise du corps, du geste, du visage par la danse est la base du travail de l'acteur. la pratique de la lenteur et de la maîtrise dans la lenteur apporte au comédien une parfaite maîtrise de soi et une présence forte, quelle que soit la création demandée.
D'abord le corps doit être assouplit, redressé, adoucit, le visage calmé de ses expressions habituelles. Avec des musiques vivantes, j'entends par là des musiques choisies avec soin pour porter, surprendre le danseur, tant émotionnellement que physiquement, le danseur-acteur trouve sa liberté d'expression, oubliant les gestes habituels, retrouvant ses archétypes.
La lenteur ici devient un axe essentiel, efficace. Car une fois cette lenteur éprouvée, pratiquée, la rapidité devient maitrisée.
Pour le visage, même travail, issu du travail du masque de l'acteur du théâtre Nô. Savez-vous que ces acteurs ne portent leur masque que pour les représentations, ils travaillent en répétitions à visage découvert, pour pouvoir "habiter" leur masque, leur personnage. Ainsi ce visage doit lui aussi, être adoucit, maîtrisé, passant du neutre au sourire, de la tension au calme, et tout cela en fluidité avec le travail du corps. L'essentiel de cette danse est l'unité, du corps, de l'âme (les émotions) et de l'esprit, une fois cet axe ancré, la parole vient.
Le travail de la parole, soit en poésie improvisée, soit en récit mise en scène, soit en seynette de théâtre improvisée : Une fois le corps en place, le visage ouvert et calme, le danseur comédien est prêt à sa parole. Celle-ci accompagne la danse des participants, au même titre que la musique.
Car les danseurs-comédiens sont inspirés, leur pratique assidue de la danse leur donne toute liberté de concevoir et dire un texte fluide, sois improvisé, lut ou appris par cœur. Bien sur, pour alimenter la parole il faut lire, travailler son vocabulaire, ouvrir son champ lexical, pour mettre des mots sur ces images intérieures qui viennent, sur ses émotions qui traversent.
En ce qui concerne les seynettes elles viennent souvent comme une entracte humoristique mettant en scène des situations et des personnages drôles. Car après la tension du travail corporel, il faut bien se détendre et rire!
Voici donc en quelques mots l'essentiel de ce travail, il n'y a pas de méthode véritablement écrite(pourtant c'est ce que je fais pour vous répondre!), c'est une pratique rigoureuse comme tout art, mais aussi extrêmement riche. chaque atelier est une création.
La danse telle que je la pratique et l'enseigne est la base de tout travail de la scène, amenant à la présence, à la maîtrise du corps et de la parole tout en restant libre, au service d'une création et du spectacle. Tout acteur, comédien, musicien devrait pratiquer la danse en parallèle, en complément, de son art, pour acquérir ou retrouver sa maîtrise et sa liberté.
Dans mon travail de conteuse comédienne et danseuse, cette pratique me soutient, c'est ma base ma source d'inspiration, par la danse théâtralisée, j'ai accès à mes mondes intérieurs, ma poésie personnelle, je peux désormais créer, apprendre, enseigner, jouer , faire de la musique en collaboration avec tout artiste, dans la liberté et l'écoute. au théâtre, cette maîtrise me donne la présence, la voix, l'humilité, la possibilité de jouer tout personnage, sans me perdre, avec présence.
Je suis à votre écoute, c'est avec plaisir que je vous transmet ma passion de la scène, si d'aventure vous êtes intéressée pour pratiquer, dans la cadre de votre lycée, ou autre je peux être disponible pour organiser quelques session d'ateliers. Car la théorie c'est bien, certes,mais la pratique est nécessaire pour éprouver, expérimenter. N'hésitez à faire des "expérience scéniques" elles vous apporteront une compréhension, que la théorie ne ferait qu'effleurer.
Bien à vous
Laurence Canonne
art residence
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